2017년 9월 13일

 키릴 페트렌코 / 이고르 래빗 / 바이에른 슈타츠오퍼 오케스트라

 예술의 전당


 무슨 기이한 연이라도 닿은 것인지, 갑자기 연주 당일 지인의 주선(?)으로 연주를 볼 수 있게 되었다. (이 자리를 빌어 그 분께 감사드립니다.)

 1부 곡목은 라흐마니노프의 <파가니니 주제에 의한 광시곡>. 라흐마니노프의 후기 수작이지만, 아쉽게도 난 이 곡을 많이 들어보지 않았다. 내가 완청한 이 곡의 유일한 연주는 카펠/라이너/필라델피아(RCA)인데, 연주자 이름만 들어도 도저히 비교 대상으로 삼을 수 없는 연주다. 곡을 익히기 위한 임시방편이라면 모를까…….

 1부 곡목에서 단연 두드러진 것은 피아니스트였다. 러시아 태생으로 독일에서 활동하는 이고르 래빗은 자신의 태생을 증명이라도 하듯, 같은 곡 안에서도 ‘정말 같은 피아니스트가 맞나?’ 싶을 정도로 카멜레온 같은 모습을 보여주었다. 다른 피아니스트에 비교를 해 본다면, 데무스나 바두라스코다 같은 소리로 곡을 진행하던 피아니스트가 갑자기 호로비츠나 리히터의 인상을 드러낸다는 편이 사실에 근사한 비유일 것이다.

 그의 장점은 독일 피아니즘과 러시아 피아니즘의 혼융에만 그치지 않았다. 동글동글 뭉치면서도 밝고 은은한 고유의 음색, 절제된 페달링, 과장 없이 충분히 대범한 해석도 마음에 들었다.

 다만 오케스트라는 피아노가 100% 활약할 수 있도록 도와주지 않았다. 오케스트라는 피아노의 소리가 들려야 할 타이밍에 피아노 소리를 묻어버리고, 피아노 소리가 자리 잡을 공간을 주지 않았다. 2부를 위한 악기 배치(잠시 후에 설명하겠다) 때문에 그런 결과가 나온 것 같지만, 래빗의 피아노 소리를 제대로 들을 수 없다는 점은 많이 아쉬웠다.

 래빗은 앵콜곡으로 쇼스타코비치의 발스-스케르초를 연주했다. 달지 않으면서도 맛있는 소르베 같은 곡이었고, 연주도 충분히 훌륭했다.


 1부에서 가장 빛난 이가 래빗이었다면, 2부에서 가장 빛난 이는 단연 페트렌코였다.

 나는 오늘 그의 비팅을 보면서 왜 베를린 필의 단원들이 그를 선택했는지 이해할 수 있었다. 그는 기민하면서도 힘찬 지휘로 막대한 에너지를 오케스트라에 부여했고, 수시로 오케스트라에 지시를 내리면서 단원들을 통제했다.

 페트렌코의 연주 설계 중 가장 두드러진 부분은 현악기의 배치였다. 중앙에 첼로를 놓고, 1바이올린 뒤에 베이스를 두며 첼로-비올라-2바이올린 순으로 악기군을 배치한 그의 설계는 크게 두 부분에서 빛을 발했다. 

 첫 번째는 1악장. 현악기 배치는 후반에 진입하는 순간부터 위력을 발휘했다. 바로 제2트리오 부분, 1바이올린의 아르코와 베이스의 피치카토가 엇갈리는 부분에서 지휘자와 오케스트라는 대비가 무엇인지 잘 보여주었다. 하지만 무엇보다도 그의 현악기 배치는, 현악기만으로 연주하는 4악장에서 가장 빛을 발했다. 지휘자의 설계는 오케스트라 특유의 퍽퍽한 소리마저 이겨내고 멋진 풍광을 선사했다.

 그러나 얻는 것이 있으면 잃는 것도 있는 법. 페트렌코와 바이에른 슈타츠오퍼는 악기군 사이의 대비를 얻어낸 대신에 정묘한 밸런스를 어느 정도 희생해야 했다. 특히 악기군이 투티를 연주할 때마다 위태롭게 뒤엉키는 음색은 대비를 주기 위해 무엇을 대가로 치러야 했는가를 똑똑히 보여주었다.

 위에서도 말했듯 바이에른 슈타츠오퍼는 퍽퍽한 소리로 일관하는 경향이 강했다(특히 현악기). 더군다나 페트렌코의 기민한 지휘에 잘 따라오지 못하는 안습한 모습까지 보여주었다. 1악장을 연주하는 베이스에서 그것을 똑똑히 들을 수 있었는데, 연주자도 아쉬웠던 실수를 허공에 다시 해보는 깨알 같은 모습을 보여주었다.

 관악기로 시선을 돌려보면, 오늘 가장 뛰어난 연주를 해주었던 호른 수석이 있었다. 3악장의 ‘호른 협주곡’을 위시해 곳곳에서 또렷하고 분명한 소리와 안정된 지속음으로 오케스트라를 받쳐주었을 뿐 아니라, 대놓고 어려운 약음 패시지에서 연이어 놀라운 연주를 해냈다(나는 개인적으로 호른의 어려운 약음 패시지들을 강주보다 더 귀기울여 듣는다. 그만큼 호른에게 잔인한 구간이기 때문이다).

 트럼펫 수석 또한 정말 잘했지만…… 안타깝게도 삑사리를 두 번 냈다는 점이 아쉬웠다. 5번의 1악장은 시작의 C#음을 비롯해 트럼페터의 스트레스를 유발하는 #음이 유독 많은데, 트럼펫 수석은 시작은 잘 풀어갔지만 1악장 막판에 삑사리를 냈다. 그리고 2악장 막바지 부분에서도 한 번 더…… 전체적으로 참 잘했지만, 운이 따라주지 않았던 두 번의 실수가 아쉬웠다.

 그밖에 기억나는 주자들은 소극적으로 일관했던 오보에 수석(자기도 답답했는지 1부 끝나자마자 리드 뽑아서 체크해보더라)과 잘못 치고 나서 가죽 상태 확인해보던 팀파니 주자.


 오늘 연주를 세 문장으로 압축하면 다음과 같다.

 1) ‘기재奇才’라는 표현이 잘 어울리는 이고르 래빗.

 2) 어떻게 베를린 필 상임이 될 수 있었던 것인지를 증명한 페트렌코.

 3) 그럭저럭 잘 하는데 죽어도 일류는 못 될 바이에른 슈타츠오퍼 오케스트라.


 더 압축해 볼까? ‘돈값은 하고도 남지만 7만원어치는 아니었던 연주.’

Posted by 여엉감


 2016년 12월 4일

 마리스 얀손스 / 길 샤함 / 바이에른 방송 교향악단

 예술의 전당


 워낙 급하게 도착한지라 허겁지겁 연주회장에 들어갔다. 1부는 베토벤 바이올린 협주곡. 그 동안 나는 이 곡을 들을 때마다 쉽게 이해하지 못했는데, 다행인지 얼마 전 프란체스카티와 장 푸르네의 영상물을 들으면서 비로소 이 곡을 이해할 수 있었다.

 협주곡의 시작은 매우 좋았다. 팀파니는 정확했고 현은 한 치의 오차도 없었다. 그러나 이 연주에서 가장 할 말이 많은 것은 단연 독주자였다. 샤함은 연주를 시작한 직후부터 지속적으로 약간 거친 듯한 소리를 냈다. 기교상의 문제였나 싶었지만 샤함 특유의 톤은 큰 이상이 없었다. 그는 속도를 빠르게 잡지 않은 채, 호불호가 심하게 갈릴 스타일로 연주했다.

 자세히 설명하자면, 그는 통상적인 바이올리니스트라면 포지션 변경을 해야 할 악구에서 포지션 변경을 하지 않고 한 현 안에서 계속 오고가는, 지금은 거의 볼 수 없는 스타일로 연주를 했다. 물론 정확하고 깨끗한 소리, 쏘아붙이는 듯한 템포, 그리고 명쾌함을 좋아하는 요즘 사람들에게는 합리적인 포지션 변경이 더 설득력 있게 들릴 것이다. 그러나 이런 연주법을 유지하면서 연주하는 것은 정말로 고도의 기교를 요한다. 사실 이 연주법이 사장되다시피 한 것도 이것이 무척이나 어렵기 때문이다.

 또한 바이올린의 각도도 굉장히 대각선으로 기울여 연주를 했는데, 이것도 지금은 거의 찾아볼 수 없는 스타일이다. 샤함은 이 두 가지를 계속 유지하면서 연주를 했다. 이 두 가지 특징을 가진 연주법은 실제 콘서트홀보다는 음반을 통해 더 쉽게 접할 수 있을 것이다. 요하임으로부터 이어져 내려오는 옛 독일계 바이올리니스트들이 이런 연주법을 자주 선보였기 때문이다.

 그렇다고 해서 내가 이 연주를 높이 평가한다는 것은 아니다. 이런 연주가 설득력을 얻으려면 그에 상응하는 고아한 '소리'를 가지고 있어야 하는데, 샤함은 자신의 톤을 유지하는 부분과 그렇지 못한 부분의 갭이 매우 심했다(솔직히 말하자면, 거친 부분의 소리는 술 마신 소리 같았다). 옛 독일계 바이올리니스트들은 그런 연주법을 사용하면서도 더 설득력 있는 '소리'를, 연주를 지속하는 내내 일관되게 유지하는 기술을 갖추고 있었다. 게다가 자의적인 악구 내 템포 변경이 잦아서 독특하다고 할 수는 있을지언정, 매우 좋은 연주라고 할 수는 없었다.

 샤함의 연주를 한 문장으로 정의하자면, '이런 스타일을 색다른 시도로 보는 사람은 높은 평가를 내릴 수 있겠지만, 그렇지 못한 사람은 단 1점도 주기 싫어할 연주'로 정의할 수 있을 것이다.

 얀손스는 그런 샤함이 최대한 그 스타일을 밀고 나갈 수 있도록 판을 깔아주었다. 관현악의 목소리를 최대한 자제시키고, 좀처럼 강주를 크게 터뜨리지 않았다. 빠르게 잡은 첫 팀파니의 D음 연타 동기도 독주자가 느리게 템포를 잡아끌자 바로 맞춰주는 태도를 보이기도 했다. 얀손스가 관현악을 자유롭게 분출시킨 것은 3악장 코다에 이르러서였다. 하지만 관현악을 자제시켜서 파곳이 너무 소극적으로 들린 것은 감점 요인이었다. 2부의 파곳을 생각하면, 파곳이 자기 능력을 발휘할 수 있도록 분출시켜주는 것도 좋지 않았을까.

 1부의 앵콜 곡은 크라이슬러의 <아름다운 로즈마리>였다. 샤함은 협주곡에서 보여주었던 그 스타일로 연주를 했다. 관현악은 깔끔하게 반주를 맞춰주었다. 역시 협주곡과 마찬가지로 호불호가 크게 갈릴 스타일이었다.


 2부는 스트라빈스키의 <불새> 모음곡. 스트라빈스키를 일약 유명인사, 대작곡가의 반열에 올려놓은 이 출세작은 많은 개정판이 나왔는데 얀손스는 1945년판을 사용했다.

 1부에서 자제하고 있었던 바이에른 방송 교향악단의 능력은 여기서 유감없이 발휘되었다. 오보에, 클라리넷, 파곳, 호른, 첼로, 바이올린…… 어느 것 하나 지적할 새가 없이 칼같이 정확하면서도 옹골찬 소리를 들려주었다. 특히 정확함을 넘어 정밀함을 느끼게 하는 오보에와 능수능란한 클라리넷은 박수를 받아 마땅할 실력이었다.

 또한 나는 연주를 직접 보면서 '바이에른 방송 교향악단'이라는 오케스트라의 수준에도 연신 감탄을 금치 못했다. 물론 빈 필이나 슈타츠카펠레 드레스덴 같은 경이적인 소리를 갖춘 악단, 현대 오케스트라의 정점인 베를린 필과 바이에른 방송 교향악단을 일대일 대응시키는 것은 무리라고 보지만, 오케스트라는 지휘자가 세부까지 일일이 지시하지 않아도, 즉 굵은 밑그림만 그려주면 알아서 칼같이 화답하는 경이적인 합주력으로 대답했다. 고현, 저현, 목관, 금관, 타악기 모두 정확하고 치밀하고 깔끔하면서도 새되지 않은 소리로 대답해서 혀를 내두를 정도였다.

 연주의 대부분을 채우는 것은 오케스트라의 몫이지만, 연주가 무너지지 않도록 연주의 큰 틀을 잡아주는 것은 당연히 지휘자의 몫이다. 얀손스는 정확한 강약 조절, 정확한 비팅, 그리고 스트라빈스키의 변박이 심한 리듬 구조를 외골격처럼 드러내는 스타일로 지휘를 해 나갔다. 같이 연주를 들었던 지인분께서는 '키츠제이 왕의 죽음의 춤'이 나오기 전까지 얀손스의 지휘가 좀 부산스럽게 들린다는 말씀을 하셨는데, 난 그 말이 맞다고 본다. 얀손스는 일부러 그렇게 했을 가능성이 있다. 스트라빈스키의 악보는 그대로 연주하려고 들수록 '난잡하게 들릴 수밖에 없는' 드러나고 돌출되는 리듬 구조를 갖고 있다는 것이 내 개인적인 생각이다.

 본인은 스트라빈스키 연주사의 초기를 장식한 두 명의 지휘자로 피에르 몽퇴와 (좋아하는 지휘자는 아니지만) 에르네스트 앙세르메를 들고 싶다. 두 명의 스타일은 판이하게 달랐다. 몽퇴의 스트라빈스키는 그 상충하는 변박들이 두드러지는 연주를 들려주고 있다. 반대로 앙세르메의 스트라빈스키는 그 변박들이 모두 깔끔하게 정리되어, 어떨 때는 스트라빈스키의 리듬적 다양성을 거세한 것은 아닌가 하는 생각이 들 때도 있다.

 재미있는 것은 스트라빈스키가 앙세르메보다는 몽퇴의 스타일을 더 호의적으로 여겼다는 점이다. 물론 두 사람의 스트라빈스키 스타일은 오늘날 어느 쪽도 주류를 점하지 못하고 있지만, 오늘 들은 얀손스의 스트라빈스키는 단연 몽퇴 쪽에 가까워 보였다.

 '키츠제이 왕의 죽음의 춤' 파트는 당연히 놀라웠지만, 오늘 <불새> 연주에서 가장 좋았던 파트는 그 다음에 나온 '자장가' 파트였다. 그 파트가 나오는 순간, 모든 퍼즐이 끼워맞춰지는 기분이 들었다. 그리고 곡은 숭고한 피날레로 이어졌다. 현의 유니즌 강주를 스타카티시모로 연주했다는 특이한 사항을 제외한다면, 완벽하게 마음에 드는 연주였다. 이런 연주가 끝나고 나면 당연히 환호성과 박수가 필요한 법이다.

 2부의 앵콜 곡으로는 그리그의 <두 개의 슬픈 선율> 중 한 곡, 그리고 엘가의 <야생곰>을 연주했다. 모두 본 프로그램과 잘 어울리는, 아련하면서도 흥겨운 곡들이었다. 당연히 이 곡들이 끝나고서도 아낌없는 박수를 보내주었다.


 연주회가 끝나자마자 바로 프로그램북을 사서 길고도 긴 사인 줄을 기다렸다. 샤함은 생글생글해 보이는 인상이었고, 얀손스는 웃고 있었지만 어딘지 모르는 냉철함이 감돌고 있었다. 두 사람 모두 긴 줄에도 불평하지 않고 웃음으로 사람들을 맞아주면서 사인을 해 주었다.


 한 줄 평 : 1부는 생각할 거리는 많지만 사적으로 좋아하지 않는 연주. 2부는 경이로움 그 자체.


 (2016.12.5)

Posted by 여엉감


 ※ 급하게 쓴 글이라 퀄리티는 낮습니다. 그 점을 감안하면서 읽어주세요.


 2016년 11월 24일

피에르 로랑 에마르 ‘쿠르탁&메시앙’

LG 아트센터

 

 긴 말 필요 없이 바로 본론으로 들어가도록 하겠다. LG 아트센터에 도착해서 프로그램을 확인하니 원래 쿠르탁을 연주하고 슈만을 나중에 연주하도록 짜여 있는 1부 프로그램이, 슈만과 쿠르탁이 자유로이 뒤섞은 프로그램으로 변해 있었다. 변경사항을 보고 가장 먼저 떠오른 게, 데얀 라지치가 스카를라티와 버르토크를 자유로이 섞어서 연주한 채널 클래식의 음반이었다.

 3층 자리에 앉아서 에마르를 기다리는데, 한 10분인가 기다리고 있노라니 연주자가 입장했다. 중키에 부리부리한 눈매가 인상적인 아저씨가 들어오는데, 나긋나긋한 몸짓과는 별개로 절도 있는 느낌이 나는 사내였다.


 페이지 터너를 옆에 둔 채 연주가 시작되었다. 1부는 슈만 소품을 하나 연주하면 쿠르탁 소품을 하나 연주하는 식으로 죽 이어졌는데, 들으면 들을수록 이 프로그램이 하나의 일관성을 가지고 꾸며졌다는 생각이 점점 강하게 들었다. 첫 짝을 이루는 슈만과 쿠르탁은 즐거운 느낌을, 중간의 슈만 알붐블라트 1번과 쿠르탁의 <메달>은 빛나는 느낌, 알붐블라트 3번과 쿠르탁 <평온한 위안>은 부드러운 민요풍 느낌을, 알붐블라트 2번과 <발린트 전시회 서문>에서는 비르투오소티 느낌이…… 이런 식으로 각각의 개성을 기가 막히게 잘 끼워 맞춰, 마치 슈만이 쿠르탁을 위해 작곡하고, 쿠르탁이 슈만을 위해 작곡한 것 같은 ‘착각’을 불러일으키는 멋진 프로그램이었다.

 이제 연주자의 능력치에 대해서 설명을 할 시간인데, 대개 에마르의 음반을 통해 느낄 수 있는 특징들은 ‘명료함’ ‘정확함’ ‘뛰어난 테크닉’ 정도로 압축할 수 있겠다. 어떤 상황에서도 기교적인 실수를 하지 않고 명징하고 차가우며 세련된 연주를 들려주는 것이 에마르의 가장 큰 특징인데, 내가 음반을 통해 들은 소리를 연주회장에서 그대로 느낄 수 있다는 점은 생각할 때마다 재미있는 점이다.

 그러나 실황에서의 에마르는 내가 연주회장의 어디에서 음악을 듣고 있던지 간에 자신의 (몇 번을 강조해도 지나치지 않은) 명료하고 절도 있으며 정확한 소리를 쏘아 보냈다. 3층에서 음악을 듣고 있음에도 내가 마치 1층에 와 있는 느낌은 덤이었다.

 프로그램은 지속적으로 슈만과 쿠르탁을 교차하다가 쿠르탁을 몇 곡 이어서 연주하더니 클라이맥스인 스벨링크의 반음계 환상곡에 도달했다. 소품들 사이에서 대곡처럼 느껴지는 스벨링크의 환상곡은 1부의 클라이맥스를 장식하기에 충분한 곡이었다. 이어지는 곡들은 차분히 가라앉는, 사색하는 느낌의 쿠르탁의 신곡 소품들로 마무리.


 2부는 프랑스의 로코코 스타일을 대변하는 작곡가 중 하나인 다캥의 모음곡 발췌로 시작했다. 쿠프랭보다는 조금 더 각진 느낌이고, 라모만큼의 인상적인 날카로움을 보여주지는 못하지만, 나름대로 화려하면서도 세련미 있는 그 시대 프랑스 클라브생 스타일을 잘 보여주는 작곡가인 다캥의 모음곡들에서도 에마르 특유의 명징함과 정확함은 어디 가지를 않았다. 정말 자신이 연주하는 모든 곡의 구조를 도식처럼 투명하게 보여주겠다는 그의 집념은 솔직히 듣는 사람의 기를 질리게 만들 정도였다.

 그리고 마침내 최종보스 등장. 오늘 제일 컬처 쇼크를 먹었던 메시앙의 새도감 중 <마도요>. 우와…… 1부에서 자제하고 있던 에마르의 다이내믹에 대한 무시무시한 능력이 밖으로 분출하는 순간이 이 때였다. 고음의 아르페지오 다이내믹을 조절하는 기계 같은 능력하며, 최강주에서 홀 전체를 뒤흔드는 깨끗하면서도 강력한 터치는 단지 차갑고 명료한 연주자로만 생각하고 있던 에마르에 대한 나의 편견에 기분 좋은 뒤통수를 치는 순간이었다. 몇 번을 다시 생각해도 프로그램 전 곡을 통틀어 이 <마도요>가 봉우리 꼭대기를 이루고 있다는 생각을 지울 수가 없었다.

 충격적인 <마도요> 연주가 있고 난 후, 막간곡인 쇼팽의 녹턴 1번을 연주했다. 연주 자체는 깨끗하고 차갑고 좋았지만(루바토가 거의 없었다), 아무래도 메시앙을 사이에 두고 쇼팽을 들으려니 일부러 쇼팽을 끼워 넣은 것이 아닌가 하는 생각이 들었다. 아무래도 메시앙-메시앙이 계속 이어지다 보면 무슨 곡이 무슨 곡인지 알아먹지 못할 사람이 태반이니, ‘쇼팽 중간에 끼워줄 테니까 알아서 메시앙 두 곡 구분하라’는 의미로 녹턴을 한 곡 집어넣은 것 같다. 프로그램 전체의 균형과 맞는지는 의문이었지만 어쨌거나 연주는 참 좋았다.

 마침내 오늘의 프로그램 마지막 곡 <숲 종다리>에 도달했다. 메시앙의 피아노곡집 중 하나인 <아기예수를 위한 20개의 시선> 중 <성모의 첫 영성체>와 비슷한 느낌도 나지만, 그보다 좀 더 자연의 거친 풍광에 동조하는 느낌이 강한 이 <숲 종다리>에서 에마르는 하행하는 첫 아르페지오에는 풍성한 감각을, 중간부의 날카로운 풍광 묘사에서는 특유의 명료한 이성을 잃지 않고 연주한다. 그러고 보니 다캥의 곡들도 새와 자연을, 메시앙의 곡들도 새와 자연을 노래하고 있다. 결과물은 굉장히 다르지만.


 연주회가 끝나자마자 1부에서 참았던 환호성과 브라보를 터뜨렸다. 몇 번이나 관객의 박수갈채에 화답하던 연주자는 앙코르곡으로 노타시옹을 연주하기 시작했다. 배열은 5번에서 8번까지를 맨 먼저 연주하고, 그 다음 9번에서 12번까지를, 마지막으로 1번부터 4번까지를 연주하면서 이것만 임의대로 섞어 연주했다. 연주의 퀄리티? 지금까지 설명했던 것에서 딱 하나만 추가하자면, 토 나오게 어려운 패시지들을 기계같이 연주하는 모습을 보면서 그저 환호할 수밖에 없었다.

 

 아직 올해 볼 공연 중 얀손스가 남아 있기는 하지만, 솔직히 이 정도 퀄리티의 연주를 저렴한 가격에 긴다는 것 자체가 나에게 있어서는 큰 행운이었다. 몇 년 전에 리게티를 연주할 때 안 간 것이 사무치기는 하지만, 그래도 이번 연주회를 보면서 어느 정도 보상받는 느낌이 들었다.


 한 줄 평 : 현음 피아노 = 에마르



 (2016.11.24)

Posted by 여엉감